国立新美術館の
「ルーヴル美術館展 ルネサンス」に行ってきました。
混雑していると聞いていたとおり、展示会場内はかなりの混み具合でした。
行く前は尻込みする気持ちもあったのですが、やっぱり観られるときに観ておかないとなあと思いまして。
ちゃんと体力を蓄えて参戦してきました。
| この記事は美術展で個人的に好きになった作品の画像（筆者がポストカードを撮影）と共に、会場解説・音声ガイドなども参考にしながら、勉強日記のような感覚で感想を書いたものです。 ネタバレを避けてグッズなどの展覧会情報だけを知りたい方は「ルーヴル美術館展 ルネサンス 情報」までジャンプしてください。 |
「ルーヴル美術館展 ルネサンス」 感想
鑑賞前に知っておく「ルネサンス」の世界観
本展は 15世紀から16世紀にかけてヨーロッパ各地で盛り上がりを見せた ルネサンス美術 が集められた展覧会です。
印象派のような彩り豊かでキラキラした雰囲気とは違った、どちらかというと教科書に載っている歴史のお勉強感のある作品が多いと思います。
しかし、「ルネサンス」とはどんな時代で、どんな価値観だったのか？
そこを抑えておくと、すこしお堅いイメージの作品でも興味深く楽しく鑑賞できるのではないかな～と個人的には思っています。
【予習】神様ではなく人間主体の「ルネサンス」
ルネサンス（Renaissance）という単語はフランス語で「再生」。
美術史における ルネサンスとは「 古代ギリシャ・ローマの文化・文明・考え方の再生」を意味します。
ところが、世界を旅したり、遺跡の発掘などで古代ギリシャ・ローマのリアルな人体表現を目の当たりにした人々は、「昔は違う時代があった」「人間中心の、人間くさい、とてもビビットな時代があった」ということに気が付きます。
こうして、キリスト教に支配された世界観から目覚めると同時に、新しい価値観として、人間中心だった古代の価値観へと転換していった ― それが、ルネサンス（再生）です。
では、美術において古代の価値観が再生されるとどうなったのかというと、リアルになっていくわけです。
中世の聖書の世界では、美術においても＂神様が世界をどう見たか＂という視点でつくられていたので、例えば、人物の大きさは神学上の大きさ（重要なイエス様がいちばん大きく、人間は小さく）で描かれていました。
一方、ルネサンスで人間中心の世界観になると、偉い人が大きいのではなく、手前にいる人は大きく・遠くにいる人は小さく描かれるようになります。
このよう、私たち人間の目に見える世界をあるがままに再現していこうと造詣の原理も変わっていき、遠近法、陰影法、人体の解剖学的な正確さ が追及されました。
このルネサンス期で、現代まで続く西洋美術の基本が完成されたと言われています。
ぶらぶら美術・博物館 #343 2020年04月07日 放送回より個人的なメモ
ルネサンス前後の宗教画を見比べてみると、この解説の意味がよくわかります。
ドゥッチョ・ディ・ブオニンセーニャ《マエスタ（荘厳の聖母）》1308年–1311年 シエナ大聖堂付属美術館 ※本展に展示はありません※
例えば、ルネサンス前・14世紀の宗教画では、マリアさまとイエスさまがほかの人間たちよりも大きく描かれています。
キリスト教は基本的には偶像崇拝禁止の宗教なので、神様をふつうの人間のように描いてはいけませんでした。
そのため、この絵のように現実では考えられないサイズ感で神様を表していたのです。
カルロ・クリヴェッリ《聖エミディウスを伴う受胎告知》1486 ロンドン・ナショナル・ギャラリー ※本展に展示はありません※
一方、15世紀のルネサンス期に入ると、少しずつ現実世界に近い表現へと転換していきます。
天使の輪が帽子のように頭にかぶる仕様になっていたり、天からの光が届くよう壁に穴が開けられていたり、技法の面では、グラデーションで影をつけていく陰影表現や遠近法が使われ、より立体的で写実的な人体表現へと転換されました。
このように、神さま目線の世界観から、古代ギリシャ・ローマの概念に根差した人間目線の世界観へ復興していったのがルネサンスです。
そして、レオナルド・ダ・ヴィンチがいた盛期ルネサンスになると、その表現は人間の身体的な側面だけでなく、心のうちに秘めた感情にまで及ぶようになるのです。
これを踏まえて、本展「ルーブル美術館展 ルネサンス」の展示作品を鑑賞していきました。
「旅」が紡ぐもの
ルネサンス期の人たちは 様々な理由で旅をし、古代ギリシャ・ローマへ眼差しを向けました
なかでもドイツ・ルネサンスの巨匠として知られるアルブレヒト・デューラーは、故郷のニュルンベルクを拠点としつつも、多くの場所を旅した典型的なルネサンス人でした。
アルブレヒト・デューラー《サイ》1515年（初版）木版 ルーヴル美術館素描
ルネサンス期の美術品はだいたいがオーダーメイド。
作品は注文主と芸術家の間ですり合わせされ、内容や作風、素材を決めるのがスタンダードだったそうです。
なかでも古い書物に登場する伝説的な動物はとても人気で、この《サイ》はデューラーの死後７回も重版されるほどだったとか。
とてもリアルに見えますが、デューラー自身は実物のサイを見たことがなかったようで、本作には現実には存在しない角が生えています。
しかしながら、観たことがないのによくここまで描けてたものだと驚きました。
一方、国王や皇帝は、広大な領土を治めるために、家族と家臣を引き連れながら領内各地の城館を転々としていました。
その際に持ち運べる豪華な調度品として発展したものの一つが、タペストリーです。
南ネーデルラント（？）《田園の合奏》16世紀第1四半期1 羊毛,絹 ルーヴル美術館
本展では《田園の合奏》のタペストリーの実物が展示されているのですが、かなりサイズが大きいんですよね。
タペストリーは冷たい石造りの建物の壁を飾るのみならず、保温効果に優れ、間切りにも使えるなど重宝されていたそうです。
もしかしたら、機能面だけにとどまらず、移動先の壁を彩って王侯貴族の威厳を保ったり、滞在先が自らのホームになるように見慣れたインテリアをそばに置きたい心理もあったのかもしれないなあと思ったりしました。
また本展では、君主たちが都市に入った記念として制作されたメダルの展示もあったのですが、金色ピッカピカなので是非見てほしい・・・すっごく綺麗です。
さまざまな技法の革新
ルネサンス期は技法の発展がすさまじい時代でもありました。
ぜんまいが開発されたことによる時計製造の発達、活版印刷術からの木版画の流行、銅版画が絵画や彫刻の複製に用いられたりなどなど。
なかでも、ピエール・クルテ《中央に突起のある丸皿「大地と海」》にはエマイユ（七宝）という技術が使われています。
ガラスを粉にして油で溶いたガラス液を使って金属板に絵を描く技術で、下地の色から１色塗ったら窯で熱してガラスを固め、また次の色を塗って、と絵が完成するまで繰り返されて制作されるそうです。
ピエール・クルテ《中央に突起のある丸皿「大地と海」》1568年 エマイユ画／銅 ルーヴル美術館
このほかにも、「田園風陶方法」という、本物のカエルやトカゲを石膏で型取りして実物そっくりのリアルな装飾を施す技術もあり、これがまた精巧で美しいものでした。
こちらがその《「田園風陶法」による水差し》です。
本展の展示作品は絵画はもちろんですが、メダル、陶器、時計、ブロンズなどの工芸品作品も非常に見ごたえがありましたね。
古代の物語の研究
ルネサンス、すなわち古代ギリシャ・ローマの文化を再評価する動きは人文学の分野で始まり、次第に芸術へと広がっていきました。
古代の重要文献の写本が研究され、ギリシャ神話やローマ神話の物語などは様々な言語に翻訳・出版されたそうです。
ランベルト・スストリス《マルス、ヴィーナスとキューピッド》1548–1552年 油彩／カンヴァス ルーヴル美術館
ランベルト・スストリス《マルス、ヴィーナスとキューピッド》は、ローマ神話における美の女神ヴィーナスと軍神マルスの秘密の恋（不倫）の物語を描いた作品です。
夫がいながら軍神マルスと関係をもつ美の女神ヴィーナス、そして二人の密通からうまれた愛の矢を持つ息子のキューピッドが描かれていて、モチーフひとつひとつにも意味があります。
ルカス・クラーナハ(父)《三美神》1531年 油彩／板（ブナ）ルーヴル美術館
ギリシャ神話では、 ルカス・クラーナハ（父）《三美神》がありました。
「輝き」・「喜び」・「花の盛り」の名を冠す三姉妹のテーマは 様々な芸術家によって繰り返し描かれてきましたが、クラーナハの《三美神》では、通常なら後ろ向きで表現される中央の女神を正面に向かせ、16世紀当時の流行を反映した帽子やネックレスを着せるなど、独創性を発揮させています。
黒バックに肌から透けるピンク色の血色感がよく映え、中央の赤い帽子がアクセントを添えていて、女神たちの美しさが直球で伝わる作品でした。
「個人」の概念と肖像芸術
ルネサンス期でも、キリスト教は人々の拠り所となっていました。
しかし、古代ギリシャ・ローマの文化を見直して「人間の存在をどう位置付けるべきか」の考察を深めるにつれ、身体的にも内面的にも「個人」という概念が形作られていきます。
この流れのなかで開花したのが肖像芸術でした。
貴族社会における階級を示すためのジャンルだった肖像画というジャンルは、次第に知識人や富裕層などの中産階級にも広がりを見せ、やがて モデルの社会的功績や、婚約者に送るためのプロフィール、あるいは結婚や家族の記念として描かれるようになりました。
バルトロメウス・ブロイン(父) 1536–1537年頃? 油彩／板 ルーヴル美術館
左:《ケルンの商人で同市参事会員フィリップ・フォン・ガイル(1496–1558年)と5人の息子の肖像》
右:《カタリーナ・フォン・ガイル(旧姓フォン・ミュルハイム、1540年没)と二人の娘の肖像》
例えば 、バルトロメウス・ブロイン(父) の肖像作品では、壁掲げられた勲章、金色のベルト、ベルベットや毛皮の衣類など、背景や身に着けているもので、モデルの暮らしぶりを表現しています。
「におわせ」ってこの時代からあったんですねえ。
ティツィアーノ・ヴェチェッリオ《フランソワ１世の肖像》1538年頃 油彩／カンヴァス ルーヴル美術館
また、発注者が王侯貴族となると後世に自身の偉大さを残すのが目的の肖像画になるので、描くときにモデルが格好良く見えるように多少「盛る」こともあったようです。
ティツィアーノ・ヴェチェッリオ《フランソワ１世の肖像》でも、恰幅が良く豊かな髭で描かれたらしいです。
【備忘録】肖像画における人物の向きについて
古代ギリシャをリスペクしているイタリアでは、体も顔も「真横」を向いた肖像画が人気でした。
一方、北ヨーロッパのネーデルラント、とくにフランドル（現在のベルギー西部、フランス北部、オランダの一部にかかる地方）の画家たちは「四分の三正面観」という、人物を斜め前からの角度で描くのが通例。
それが16世紀以降、お互いに影響を与え合いだんだん混ざっていくのだそうです。
本作《フランソワ１世の肖像》は、顔は真横で体は斜め。
これが２つの文化が混ざっていった結果なのかと思いきや実はそうではないらしく・・・どうやら、作者ティツィアーノがフランソワ1世と会う機会がなく、フランソワ1世のメダルをモデルに描いたためにこうなったとのことでした。
ちょっと笑えるエピソードですね。
美しきフェロニエール
レオナルド・ダ・ヴィンチ《女性の肖像》
誤って付された別称《美しきフェロニエール》
1490–1497年頃 油彩／板（クルミ） ルーヴル美術館
本展の目玉、《美しきフェロニエール》の通称で親しまれているレオナルド・ダ・ヴィンチの《女性の肖像》は、のちに描かれる《モナ・リザ》の前身として位置づけられている傑作です。
モデルは、ダ・ヴィンチが仕えていたミラノ公ルドヴィコ・スフォルツァの侍女で愛妾でもあったルクレツィア・クリヴェッリであるとされていますが、定かではありません。
さもなければ君の芸術は称賛に値しないだろう。
― レオナルド・ダ・ヴィンチ『絵画論』
ルネサンス期の芸術家たちは、人物の心の内に潜む心理や感情を表現することに重点を置くようになりました。
特にダ・ヴィンチはこの難題に真剣に取り組んでいたうちの一人で、本作は現代の科学調査によって、体の向きや姿勢、右目の瞳の位置をわずかに描き直していることが分かっています。
目線が合うような合わないような絶妙な体勢がとられていて、今にも動き出しそうな怖さを感じました。
男性を狂わせる運命の女性「ファム・ファタール」の気配がぷんぷんします。
ちなみに、この作品は額縁も素晴らしいのでぜひとも正面から間近で見ることをお勧めします。
30分は並ぶかもしれませんが、観ておく価値のある作品だと思います。
【備忘録】二人のフェロニエール？
実は、17世紀から18世紀を通じて「美しきフェロニエール」と呼ばれていた絵画は、ダ・ヴィンチよる四分の三正面観の《女性の肖像》ではなく、こちらの真横を向いた《女性の肖像》を指していました。
（私はこちらのフェロニエールのほうが好きで、本展でもいちばんお気に入りです。）
彼女は１つ前に肖像画の章でご紹介した フランソワ1世 の愛妾で、王の死の要因となったと伝えられている女性とされていましたが、今日の歴史学では、王の死後に次第に作り上げられた架空の人物であると考えられているそうです。
ではなぜ、ダ・ヴィンチの作品が「美しきフェロニエール」と呼ばれるようになってしまったか？
この誤った呼称を広めた原因の1つは、のちに新古典主義の巨匠となるジャン・オーギュスト・ドミニク・アングルがダ・ヴィンチ絵画の素描をもとにした版画に「美しきフェロニエール フランソワ1世の愛妾」と誤った銘文を付けたことでした。
フランス革命を経て、18世紀末に王室コレクションがルーヴル美術館に移管された頃、それが原因で両作品の混同が生じ、ダ・ヴィンチの《女性の肖像》が誤って「美しきフェロニエール」と称され、次第に通称として定着したのだそうです。
なんというトラブル！
なんなら、のちに、ダ・ヴィンチ作の《女性の肖像》だけが身に着けている額の飾り紐は、1830年代にフランスでリバイバルされた際に「フェロニエール」と呼ばれたほどの定着っぷりです。
完全にダ・ヴィンチが原作フェロニエールを食ってしまった形になりましたね。
のちに誤りに気が付いたから良いようなものの、長い歴史のなかには同じようにして表舞台から消えていった作品があるのかもしれません・・・それも歴史なのでしょうか。
どちらの《女性の肖像》も、モデルの正体が謎に包まれているところが、さらにロマンを感じさせてくれます。
やっぱり面白い世界だなと思いました。
「ルーブル美術館展 ルネサンス」とても勉強になった展覧会でした。
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「ルーヴル美術館展 ルネサンス」情報
グッズ購入品
ルーヴル美術館の展覧会というだけあって、グッズはかなり気合が入ったラインナップでした。
定番のポストカードやトートバッグだけでなく、魔法瓶や、有名銘菓とのコラボ菓子など、観るだけでも楽しいです。
ただ、売り切れも多い！
私は鎌倉紅谷の看板商品「クルミッ子」とコラボした「ルーヴルッ子」のお菓子缶が欲しかったのですが、ほぼ毎日午前中で売り切れてしまうんですよ。
グッズの為にリベンジ入場される方もいるようだったので、やむなく諦めました。
グッズ情報専用の公式アカウントがあるくらいですから、どうしても欲しいグッズがある方はチェックしたほうが良いかと思います。
また、グッズ情報はこちらのサイトがとても参考になります。
ポストカード
私はポストカードを購入。
１枚 198円（税込）でした。
PETブックマーカー
そして、あれば必ず買うブックマーカー。
やっぱり看板作品の《美しきフェロニエール》にしました。
裏面はドレスの色に合わせたカラーリングが素敵です。
この他にも２種類くらいあって、 495円（税込）でした。
PETではなくメタル製のブックマーカーもありました。
混雑状況
私は10月下旬の平日お昼過ぎに行きました。
とても混雑しているので、疲れる覚悟で行くことをお勧めいたします。
会期終盤の12月からは日時指定になるらしいので、この混雑がマシになることを祈ります。
鑑賞中、混雑で作品解説が読めないこともあるので、下記の作品解説ページをスマホで見るのもおすすめです。
展示会場内のQRからも閲覧できます。
会場でももらえるジュニアガイドもわかりやすかったです（PDF版もあります）。
チケット売り場・入場
乃木坂駅側、六本木駅側どちらもそこまで待たずに買えそうでした。
とはいえ、オンラインで事前にチケットを購入することをお勧めいたします。
入場は待ち時間ゼロでした。
展示会場
かなりの混雑でした。
特に音声ガイドが付いている作品は混雑の解消は見込めません。
順路にとらわれず、空いた作品から空きスペースに入り込むようにして鑑賞することをお勧めします。
《美しきフェロニエール》を正面から見る列
正面から見るには、会場内で専用の列に並ぶ必要があります。
私が行ったときは、アナウンスで「50～60分待ち」だとアナウンスされましたが、実際には「35分」でした。
ちょっと長めの時間で案内されているようですね。
並んでいる間は、紹介映像を観たり、スマホで作品の説明を観たりできるので、そこまで苦痛ではありませんでした。
斜めからの鑑賞でもOKなら並ばずに観られるので、列に並ぶ前に確かめに行ってから並ぶかどうかを決めても良いと思います。
状況としては「大ゴッホ展 夜のカフェテラス」とほぼ同じだったので、斜めってどの程度なのか？などは、下記を参考にしてください。
所要時間
鑑賞時間は１時間半弱でした。
とにかく混雑していたので、効率を重視してサクサク鑑賞するようにしました。
音声ガイドを聴きつつ、解説をかなりざっと読み、気になった作品のいくつかだけは２回観て、このくらいの時間でした。
作品の撮影
展示作品はすべて撮影不可です。
チケット
窓口、オンラインどちらも、一般 2,400円（税込）です。
12月7日（月）～13日（日）は日時指定制が導入されるため、日時指定券の購入が必要となります。
当日券は 12月6日（日）までの有効期限となります。
ロッカー
国立新美術館ではロッカーを利用できます。
ロッカーは無料の鍵式で 100円玉が「必要」です。
音声ガイド
日本語版ナビゲーター：北川景子さん
収録時間：約35分
貸出価格：700円（税込） ※アプリ版の配信なし
ボーナストラックでは、本展のアンバサダーである北川景子さんの「北川景子が見つめるルーブル美術館」が語られるほか、展覧会テーマ曲 角野隼斗さんの「Forma」を聴くことができます。
曲だけのトラックがあるので、混雑した会場で音楽を聴きながら鑑賞できるのは助かりました。
巡回情報
本展は東京展のみで、巡回はありません。
展覧会情報まとめ
お出かけ前に美術館公式サイトをご確認ください。
下記はすべて東京展の様子です。
展覧会名
ルーヴル美術館展 ルネサンス
東京会場
国立新美術館［東京・六本木］
会期
2026年9月9日(水) – 12月13日(日)
開室時間
10:00－18:00
※毎週金・土曜日は20:00まで
※［日時指定期間］12月7日(月)－12月12日(土)は20:00まで
※入場は閉館の30分前まで
休室日
毎週火曜日
※ただし 12月8日（火）は開館
混雑状況
かなり混雑
※10月下旬・平日昼間の様子
所要時間
１時間半～
チケット
一般 2,400円 (税込)
※12月7日(月)－12月13日(日)は日時指定制が導入
音声ガイド
あり
ロッカー
無料／100円玉「必要」
グッズ
豊富なラインナップだが売り切れに注意
写真撮影
展示作品の撮影はすべてNG
巡回情報
なし
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美術展情報
開催中（2026.11.8現在）
●ウジェーヌ・ブーダン展 ― 瞬間の美学、光の探求
SOMPO美術館で2026年6月21日(日) まで開催中。
その後、2027年3月22日(日) まで長野 ⇒ 山梨 ⇒ 群馬 ⇒ 京都を巡回予定。
海の絵はもちろんさすがなうえ、ブーダンの海以外の作品が見られたのは良かった。
● “カフェ”に集う芸術家
三菱一号館美術館で2026年9月23日(水・祝)まで開催中。
その後、2027年1月11日(月・祝)まで広島へ巡回予定。
当時のパリにタイムスリップしてみたくなりました。
●アンドリュー・ワイエス展
東京都美術館で2026年7月5日(日) まで開催中。
その後、12月6日(日)まで愛知⇒大阪と巡回予定。
父と幼い甥を事故で亡くしたことをきっかけに抱いた「死生観」、すべては移り変わり、決して立ち止まってはくれないという「無常観」。
それらは窓や扉といった「境界」を暗示するモチーフとして表され、作品たちに漂う、切なくも暖かな空気が心に響きました。
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2020年から現在まで、観に行った美術展の感想はこちらにまとめています
おまけ：道中と「六本木アートナイト2026」
私は10月末に行ったのですが、乃木坂駅から国立新美術館へ直結するルートでは、柱の一つ一つに展示作品のポスターが張られていました。
また、11月16日（月）まで「六本木アートナイト2026」という催しをやっているらしく、美術館の外にはロドリゲス＝伊豆見・彩さんのフラッグを使ったインスタレーションが飾られています。
ルーブル美術館展では背景が黒色の作品が多かった印象だったためか、帰り際にこのカラフルな旗たちを観たときはなんだか目が元気になる感じがしました。
ルネサンス期の芸術を経て現代の芸術を観ると、表現の世界が絶えることなく続いていることを実感できてとても感慨深いです。
やっぱり美術館っていいなあ。
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最後まで読んでいただきありがとうございました。
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